Роман Кочержевский представляет на сцене «Красного факела» одну из жемчужин британской комедии нравов XVIII века — «Школу злословия» Ричарда Шеридана. Язвительные персонажи пьесы обретут знакомые современному зрителю черты и окажутся в ситуациях, близких нашему времени. В интервью Leaders Today петербургский режиссёр поделился своими мыслями о постановке, раскрывающей истинные лица за масками.

О спектакле:

«Школа злословия» — острая сатира на общественные нравы и человеческие пороки. В центре событий — история о холостяке, мечтающем жениться на бедной девушке-провинциалке, жаждущей покорить столицу, и братьях с их светскими интригами. Классический финал подчёркивает торжество добродетели и важность честности перед собой и другими.

LT: Роман, у вас уже был опыт выездных постановок в Южно-Сахалинске и Сухуме. Теперь вот знакомство с Новосибирском. Отмечаете ли вы какие-то региональные особенности в общении с сибиряками?

РОМАН КОЧЕРЖЕВСКИЙ: Это моя первая работа и в Новосибирске, и с артистами театра «Красный факел», хотя я давно знаком с коллективом и мечтал здесь поставить спектакль. Наконец, обстоятельства сложились так, что Андрей Михайлович Прикотенко пригласил меня к сотрудничеству, и я с радостью откликнулся.

Пожалуй, у всех региональных театров есть общая черта — высокая степень концентрации: артисты готовы тратить много времени на репетиции, полностью отдавая себя театральному искусству. Однако это не только результат регионального менталитета, но и высокая самодисциплина коллектива, который привык сотрудничать с разными режиссёрами. Что касается общения с сибиряками, я заметил, что они более прямолинейные и открытые. Но мы все нацелены на общую цель, и это невероятно вдохновляет.

Вы дебютировали как режиссёр относительно недавно, однако весьма успешно. Например, «Утиная охота» по пьесе Вампилова принесла вам сразу шесть номинаций на престижную премию «Золотая маска». Каковы ваши взгляды на роль режиссёра в современном театре и какие задачи перед собой ставите?

Для меня театр — это прежде всего пространство взаимодействия с людьми. Важно не столько то, что я делаю, сколько — с кем. Успех постановки зависит от атмосферы, которую мы создаём вместе с актёрами. Каждый новый спектакль — уникальный эксперимент, требующий особого интуитивного подхода. Я стремлюсь избегать поверхностной актуальности, предпочитая искать новые формы выражения через призму прошлого. Например, если действие происходит в XVIII или XIX веке, я стараюсь приблизить его к современности, но оставляю лёгкий оттенок ретро-стиля. Такой подход позволяет сохранить аутентичность и глубину произведения.

Мой творческий процесс — это постоянное развитие. С каждым годом я меняюсь, как меняется и моё восприятие мира. Ответственность за создание искусства накладывает определённый отпечаток на мою работу. Режиссёр должен уметь адаптироваться к новым условиям и находить свежий взгляд на привычные вещи. Это помогает оставаться актуальным и интересным зрителю.

Ваш репертуар насыщен классическими произведениями: Мольер, Гоголь, Гончаров... Теперь очередь дошла до Шеридана. Почему вы решили поставить именно «Школу злословия»?

Взять эту пьесу предложил Андрей Михайлович. Честно говоря, это стало своего рода испытанием, ведь текст пьесы сложен, архаичен, и задача состояла в том, чтобы найти его современное звучание, придать ему новую форму. Хотя для меня как раз и важна возможность погружаться в нечто новое, разбираться в сложных вопросах и находить решения, сохраняя при этом лёгкость и юмор.

Говорить о смыслах, которые я вижу в пьесе, довольно рискованно, ведь спектакль формируется в восприятии зрителя. В тексте скрыто множество тем, но они не лежат на поверхности, а проявляются словно миражи. Все беззаботно общаются, ничего толком не происходит, но здесь ещё не так, как у Чехова, когда герои пьют чай, а в это время рушатся их судьбы. Шеридан мастерски замаскировал этот драматизм, выведя его за рамки прямого восприятия. Люди заполняют свою внутреннюю пустоту сплетнями и интригами, получая от этого своеобразное удовольствие или находя в них смысл существования. Причины такого поведения кроются в отсутствии любви и внимания, в глубоких внутренних проблемах. Эти темы обычно ассоциируются с трагедиями, но в данном случае они завуалированы в комедии.

Отдельно стоит упомянуть музыкальную составляющую нашего спектакля. Артисты исполняют старинные хоровые песни, что символизирует чистоту, утраченную героями в процессе жизни. Со временем они меняют свои истинные лица на маски, теряя способность быть настоящими. Даже манера речи героев становится искусственной, отражающей их неспособность быть искренними. Некоторые из нас настолько привыкли носить маски, что уже забыли, каково это — быть живыми.

Моя цель — показать эти аспекты современной жизни, не делая акцент на прямом сравнении, но оставляя зрителям пространство для размышлений и ассоциаций.

Вы уже говорили о работе с командой. Расскажите, как ваш личный актёрский опыт помогает вам в этом процессе и допускаете ли вы импровизацию на сцене?

Опыт работы актёром действительно полезен, особенно когда речь идет об организации времени и графике. Спектакли требуют большого количества участников, и важно учитывать не только театральные процессы, но и жизнь актеров вне сцены. Что касается импровизации, она, безусловно, присутствует. Мы всегда открыты к предложениям актёров. Если у кого-то возникают интересные идеи, мы обязательно их проверяем и тестируем. Способность привносить что-то новое и одновременно отказываться от ненужного ради общего блага — это важное качество, которое демонстрирует команда «Красного факела». Эти артисты обладают уникальным умением не только видеть себя внутри своей роли, но и оценивать ситуацию в целом, что позволяет создавать более гармоничные и целостные постановки. Точный механизм формирования такого умения остаётся загадкой: возможно, это приходит с опытом, а может быть, обусловлено природными качествами актёра. Тем не менее, я заметил, что многие участники нашей команды прекрасно владеют этим навыком, что значительно облегчает нашу совместную работу.

Что для вас является критерием успеха постановки?

Это очень субъективное понятие. Успех далеко не всегда измеряется количеством зрителей в зале, кассовыми сборами или продолжительностью аплодисментов. Бывают моменты, когда успех выражается в полной тишине зала, в ощущении зрителями потрясения после финала. Иногда достаточно, чтобы несколько человек уловили главное послание. В любом случае, премьера — это всегда стресс, ведь хочется взглянуть на своё творение свежим взглядом, забыть обо всём, что происходило за кулисами и оценить итоговый результат объективно. Но это сложно, потому что знание всех нюансов процесса часто мешает воспринимать спектакль непредвзято.

Есть ли у вас планы на будущие постановки, что вас интересует?

У меня есть идея создать интересный детский музыкальный спектакль. Это требует особой ответственности и совершенно иного подхода, но мне очень хочется попробовать. Сейчас я исследую возможности сотрудничества с различными авторами и переводчиками. Планирую работать с поэтическим текстом, адаптируя его для музыкального театра. Однако конкретные проекты пока в стадии разработки, поэтому я не готов делиться подробностями. Мне важно говорить о серьёзных темах, таких, как любовь, смерть и предательство, используя театральный язык и музыку. Думаю, детям полезно узнать об этих аспектах жизни как можно раньше — через книги, мультфильмы или театральные постановки. К тому же у меня есть команда единомышленников, с которыми я хотел бы воплотить эту идею в жизнь.

Где вы ищете вдохновение для своего творчества? Что стимулирует вашу креативность — литература, кинематограф, изобразительное искусство или, возможно, музыка?

Источник моего вдохновения — это, прежде всего, люди, которые меня окружают и отправляются со мной в то увлекательное театральное путешествие. Семья, друзья, коллеги — художники, композиторы, артисты. Их энергия, страсть и желание творить заряжают меня новыми идеями. Восхищение чужими достижениями тоже служит мощным стимулом: приятно наблюдать за успехами коллег, смотреть классные спектакли или слушать хорошую музыку.

Ещё одним источником вдохновения для меня являются биографии известных деятелей культуры — актёров, режиссёров, художников. Читая о судьбах великих мастеров, я открываю для себя связь между человеком и местом, где он жил и работал. Такие пересечения создают уникальные образы и впечатления, которые впоследствии находят отражение в моих работах.

Творческий процесс — это постоянный диалог с окружающим миром, и каждый новый день приносит свежие идеи и открытия.